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La santé de la poésie au XXIe siècle peut bien être remise en question, le poète montréalais Bertrand Laverdure ne laisse pas la pandémie freiner ses projets. Avec Charles Sagalane, il a ouvert son esprit créatif au public en 2021 grâce à un projet unique remédiant à la distanciation. En plus de cela, l’année tout récemment entamée semble tout aussi prometteuse pour les amoureux de poésie.  

L’art ne doit pas cesser en pandémie  

Le dévoilement du Projet soft oulipien a eu lieu en toute intimité le 22 septembre 2021 à la librairie Le Port de tête, située sur l’avenue du Mont-Royal. Le public a pu découvrir la création, discuter avec les artistes et même en emporter un morceau avec eux. 

Le projet consiste en un abécédaire de poèmes sur cartes postales tirées d’une correspondance entre Laverdure et son ami Charles Sagalane, poète originaire du Lac-St-Jean et auteur du Journal d’un bibliothécaire de survie. Le premier poème, constitué de plusieurs mots commençant par la lettre « a », fut envoyé par Laverdure, auquel répondit Sagalane par un poème constitué de mots débutant par la lettre « b », et ainsi de suite. 

Sagalane explique que cet « abécédaire poétique » a su combler le vide généré par l’impossibilité d’assister aux soirées de lancement et autres évènements du genre. Ces derniers constituaient des moments d’échanges importants pour ces acteurs du monde littéraire québécois. Voulant aller au-delà des visio-conférences, les écrivains se sont engagés dans cette correspondance devenue pour eux « une expérience poétique à distance ». 

« Ça a beaucoup comblé notre vide pandémique […] il y avait une espèce de présence humaine, il y avait une relation maintenue comme ça pendant la pandémie »

Charles Sagalane

Laverdure fut l’instigateur de l’échange thématique qui s’étala sur une période de six mois avec Sagalane, alors situé à Saint-Gédéon au Saguenay-Lac-St-Jean. Chaque semaine, les lettres se succédaient en ordre alphabétique, les deux écrivains étalant leur adresse à travers vingt-six poèmes écrits à l’endos de photos et de cartes postales, porteuses de souvenirs. 

Les artistes ont alors eu le temps de s’amuser avec le jeu poétique. « On s’est mis à jouer sur les mots, sur comment on allait utiliser la contrainte. C’est une contrainte de la littérature oulipienne, voire de littérature potentielle qui est un groupe littéraire français », raconte Laverdure. 

La correspondance fut suivie par une volonté de partager ces écrits. Christian Bélanger, calligraphe et professeur en graphisme au Cégep Marie-Victorin, a été contacté par Laverdure afin de tracer les vingt-six lettres en caractères gothiques, ainsi que quatre symboles contemporains – @, #, $ et & – sur une sélection de trente pochettes de vinyles de musique pop. 

Des autocollants décrivant le projet se retrouvent à l’endos des pochettes de vinyles ayant été réalisés par Rico Michel, un photographe et concepteur graphique montréalais. Il a été chargé de réaliser un livret contenant les images des cartes et des photos utilisées, accompagnées des textes écrits par Sagalane et Laverdure pour ensuite les glisser dans les pochettes de vinyles.  

« C’est un projet qui joint l’amour des vinyles, de l’histoire des vinyles, de la musique, de l’art postal et en même temps, de l’amour de l’échange entre écrivains ».

Bertrand Laverdure 

Il reste quelques exemplaires du projet soft oulipien en vente à la librairie Le Port de tête ainsi qu’en ligne. 

Les prochains pas 

Bertrand Laverdure est le prototype d’un écrivain interdisciplinaire. Il est poète, romancier, librettiste, critique, ex-Poète de la Cité et ex-chroniqueur à CIBL et MAtv. On peut s’attendre à presque n’importe quoi de sa part. 

L’artiste sort d’ailleurs un livre de poésie aux éditions Hamac à la fin du mois de février 2022. Intitulé Ce livre ne s’adresse qu’à 0,00005% de la population, l’ouvrage de Laverdure s’adresse donc à ce minime pourcentage de la population qui s’intéresse à la poésie actuelle. Il annonce étudier, dans la centaine de pages qui composent son livre, « l’impossibilité de la communication vraie » et le « fractionnement de l’auditoire ».  

L’œuvre sera disponible en librairie à partir du 1^er mars 2022. 

Article co-écrit par Marianne Dépelteau et Adel Khelafi.

Orianne Démontagne

Qu’est-ce que le théâtre documentaire? Comment le processus de création se déroule-t-il? Voici des questions auxquelles la dramaturge Annabel Soutar et les comédien⸱ne⸱s et auteur⸱trice⸱s Christine Beaulieu, Maude Laurendeau et François Grisé ont répondu lors de la conversation publique Le théâtre documentaire: du terrain à la scène. Organisée par la compagnie de théâtre montréalaise Porte-Parole, cette discussion avait pour but de présenter la pluralité des façons de faire du théâtre documentaire, mais également de répondre aux questions du public sur le sujet.

Les débuts du théâtre documentaire au Québec

C’est grâce à Twilight : Los Angeles 1992, une pièce écrite et jouée par Anna Deavere Smith, qu’Annabel Soutar a découvert le théâtre documentaire lorsqu’elle étudiait aux États-Unis. Dans cette pièce de théâtre, la dramaturge américaine explore le thème de la brutalité policière en se basant sur des entrevues qu’elle a menées auprès de centaines de personnes. Une fois rassemblés, les témoignages constituent le fondement du texte de sa pièce et, une fois sur scène, elle interprète elle-même tous les personnages.

Cette forme d’art est apparue à Annabel Soutar comme une solution à la polarisation qu’elle observait au sein de son université. Cela permettait d’engager un dialogue et d’exposer des points de vue parfois complètement opposés.

En revenant au Québec, elle a observé que le théâtre documentaire n’était pas encore répandu. Elle y a vu une formidable opportunité d’importer cette forme d’art. C’est ainsi que la compagnie Porte-Parole fut créée. Son objectif : faire un théâtre démocratique qui a une pertinence sociale.

Débuter la recherche

Lors de la conversation publique, on a pu constater la variété des motivations qui ont amené l’auteur et les autrices à amorcer leur recherche. Pour sa pièce Seeds, Annabel Soutar raconte qu’elle a commencé à rassembler des informations lorsque la Cour Suprême a accepté l’appel de l’agriculteur Percy Schmeiser contre Monsanto : « la première chose que je dois faire c’est de comprendre pourquoi ils sont en conflit et d’aller voir les deux bords ».

Christine Beaulieu, autrice de la pièce J’aime hydro, affirme que son point de départ est le conflit entre deux groupes en désaccord sur le projet de complexe hydroélectrique de la Romaine. Après avoir identifié le conflit, elle a commencé sa recherche en se posant la question « c’est quoi l’électricité? » Elle ajoute : « J’aime revenir à la base pour comprendre les choses. Je ne pense pas que tu peux arriver dans quelque chose au trois-quarts. Tant qu’à me plonger là-dedans, j’ai voulu revenir aux débuts [de l’électricité], son invention, etc. »

Pour Maude Laurendeau, c’est le diagnostic d’autisme de sa fille qui constitue le point de départ de sa pièce Rose et la machine. Elle s’est mise à documenter le suivi médical de son enfant. Ainsi, elle a récolté beaucoup de « matière précieuse » pour commencer l’écriture de son spectacle.

Difficile de rester objectif

Les autrices et auteurs présents affirment qu’une fois lancés dans le processus de recherche et d’écriture, il devient très difficile de rester neutre. Dans le cas de Maude Laurendeau, le sujet de sa pièce touche directement un aspect de sa vie personnelle : « Ce que je mets en scène ce n’est pas très objectif. C’est vraiment ma vision des choses, ça passe à travers mon vécu, mon expérience. C’est vraiment à la limite de la biographie et du théâtre documentaire. C’est quelque chose de plus personnel qu’une enquête documentaire. »

Pour sa part, Annabel Soutar insiste sur l’importance de ne rien cacher au public : « on sait que personne ne peut être complètement neutre […] et je crois qu’on a plus confiance en des auteurs quand ils sont transparents avec leur position, mais qu’ils font un effort pour écouter l’autre point de vue. »

Des sujets infinis

Les sujets dont il est question dans les pièces de théâtre documentaire sont très vastes et évoluent constamment de par leur nature. De nouveaux éléments peuvent continuellement être ajoutés au spectacle. Il est difficile, quand on est passionné par son sujet, de vouloir mettre un terme à ses recherches et de passer à autre chose.

Pour Annabel Soutar, le plaisir du documentaire réside dans le fait qu’il est toujours possible de poursuivre un projet et y ajouter de nouveaux éléments. C’est ce que Christine Beaulieu a fait lorsqu’elle a complètement modifié le cinquième chapitre de J’aime hydro pour y inclure un entretient avec Sophie Brochu (la présidente-directrice générale d’Hydro-Québec).

Avoir un impact

Lors du processus d’écriture, il est souvent difficile d’anticiper l’effet de la pièce sur le public. Pour Christine Beaulieu, l’important est de parler d’un sujet qui la touche et qui touche son équipe de travail. Si c’est le cas, elle sait qu’il est probable que les spectateurs se reconnaissent et qu’ils se sentent interpellés.

François Grisé, auteur de Tout inclus, affirme qu’il n’avait pas envisagé une réaction aussi importante : « Je ne pouvais pas prévoir cet impact-là, mais je ne savais pas non plus que de voir ça dans les yeux des gens ça allait transformer les chapitres cinq à huit qui sont la suite de mon immersion [dans une résidence pour personnes âgées] dans la façon même de raconter mon histoire. »

Il n’est pas rare que les pièces de théâtre documentaire aient un effet important sur le public. Plusieurs spectateurs et spectatrices conservent un souvenir marquant du désir de faire avancer une cause après être allé⸱e⸱s voir une des productions de Porte-Parole. Annabel Soutar rappelle que « la mission principale [de Porte-Parole] c’est la conversation parce que si on garde la conversation vivante entre les citoyens, […] ça peut donner de l’espoir aux gens pour résoudre des problèmes qui sont très complexes. »

Au bord du fleuve Saint-Laurent, entre nature et art, plaisir et connaissances, création et profondeur. Quand on est ou que l’on veut devenir interprète en danse contemporaine, on se doit de passer un séjour au Domaine Forget de Charlevoix. Je souhaitais y aller, découvrir d’autres danseurs et danseuses qui chérissent, comme moi, le rêve de faire partie du monde professionnel de cet art. Pourquoi ne pas vous plonger dans mon expérience…

Le Domaine Forget de Charlevoix est d’abord reconnu pour son académie estivale de musique. Cependant le stage de danse est lui aussi une oasis pour interprètes du mouvement. Anne Plamondon, chorégraphe et danseuse, y travaille comme commissaire à la danse depuis une dizaine d’années, auparavant avec la compagnie de danse montréalaise Rubberband Dance et, depuis 2018, en solo. Le but était de foncer et développer un programme estival intensif et professionnel pour la relève en danse. Normalement offertes chaque été pour danseurs et danseuses du Canada et d’ailleurs, les activités en présentiel au Domaine Forget avaient été suspendues pour la saison estivale 202. À vrai dire, le stage de dans 2021 était le premier des différents programmes intensifs à avoir lieu totalement en présence. Le nombre d’interprètes était moindre, ce qui a laissé place un processus d’auditions sélectionnant une vingtaine au lieu d’une quarantaine de participant.es canadien.nes seulement et bien de la persévérance, nous, danseurs et danseuses de la relève, avons pu vivre pleinement notre expérience.

Ce qu’on y a fait

Du 28 juin au 10 juillet 2021, nous avons eu la chance de travailler avec des artistes issus du milieu professionnel de la danse du Québec et d’ailleurs. Margie Gillis, sommité de la danse moderne, nous a ouvert les yeux avec des conseils inspirants lors de ses ateliers artistiques. Anne Plamondon, chorégraphe et interprète contemporaine, nous a offert des classes techniques et de création, ainsi qu’une chance de présenter une chorégraphie précise et touchante digne de son talent. Des classes de technique au sol et une séance d’exploration de la faune dans la forêt, sur la plage et dans le fleuve avec Paco Ziel, danseur et chorégraphe, nous ont permis de se connecter à la terre, à la nature, à ce qui nous fait vibrer. Carol Prieur, danseuse travaillant avec la Compagnie Marie Chouinard depuis 26 ans nous a fait découvrir à travers des explorations de mouvements corporels et des bruits vocaux, de nouvelles façons de s’approprier notre danse. Enfin, des classes de krump avec nul autre que 7starr nous ont donné la chance, pour certain.e.s, de sortir de notre zone de confort, en exécutant une vraie battle. Un horaire bien chargé du matin au soir. Des découvertes artistiques et techniques, des essais, des moments de laisser-aller, des connexions avec nos corps, nos âmes et avec les esprits des autres qui nous permis d’explorer nos sensations et nos capacités.

Le Domaine Forget, c’est aussi trois bons repas par jour avec une vue sur le fleuve, une chambre donnant sur le soleil levant, des feux de camps, une visite à Baie-St-Paul, des concerts gratuits, des échanges avec les stagiaires en musique, des visionnements de documentaires, une nuit sur la plage… Des moments inoubliables.

Ce qu’on nous partage

Mon séjour au Domaine était également synonyme de partages, avec notamment des cercles de discussions organisées avec les professeur.es et les mentor.es. C’étaient des moments d’écoute, des questionnements nécessaires. « La dans me fait sentir que je suis en vie. », disait Anne Plamondon en s’adressant à nous. En effet, nous venions de différents milieux, avion vécu diverses expériences, mais étions présent.es pour la danse, pour enrichir et partager ce qu’elle peut nous faire ressentir. De là sont venues des questions identitaires, à savoir si la danse fait partie de l’identité d’un danseur ou plutôt si elle sert à sa formation. Une parole de Carol Prieur est gravée dans ma mémoire : « Le mouvement est une façon de comment je comprends la vie. » En vérité, le danseur, la danseuse a la capacité de voir son corps autrement, de comprendre la vie autrement. Nous échangions sur ce qu’était notre vision du corps en mouvement de ce qu’il nous apporte, de ce qu’il peut semer.

Ces discussions abordaient des thèmes sur nos sensations, nos accomplissements, mais nous montraient aussi ce à quoi l’on doit s’attendre du milieu professionnel. L’importance des contrats des interprètes, la création d’opportunités en se faisant connaitre, l’ouverture aux autres arts ou à d’autres activités, la place de la diversité, etc. Parfois, il est difficile pour un.e interprète ou un.e chorégraphe de trouver sa place dans le milieu. C’est une source d’inquiétude pour plusieurs, moi la première, mais les propos de Margie Gillis m’ont profondément marquée si simples étaient-ils : « S’il y a quelque chose dans le monde que vous voulez et qui n’est pas là, créez-le. » Une note d’espoir de d’une grande danseuse et chorégraphe que je ne pourrai jamais mettre de côté.

Quelques témoignages anonymes de participants

Le stage m’a également permis de revoir ou de faire la rencontre de magnifiques artistes. Nous avons partagé des moments magiques et des connexions profondes qui m’ont fait réaliser que nous faisions partie de la danse d’aujourd’hui et de demain.

Je voulais vous laisser sur leurs mots.

(Ces témoignages proviennent directement de mon journal dans lequel certain.e.s de mes camarades du séjour ont pris le temps d’y écrire leurs ressentis et leurs expériences. C’est pour cette raison que certains passages sont en anglais.)

« J’ai appris à être vulnérable pour mieux apprendre. C’est une évolution constante » 

« Ouf, quelle expérience magnifique! Si riche en émotions, en apprentissages et en rencontres. De nouveaux mouvements et de nouveaux visages. »

« I am discovering the importance of connecting with myself and nature. My stay here has allowed me to recognize that. The un-seen energy around us holds so much power. »

« It is a fully immersive experience. You build such a close venit community with everyone and learn to trust a group of strangers within a few days. I have felt so alive during my time here, so connected to nature and to dance. »

« J’ai souvent besoin de temps pour avoir du recul sur ce qu’un stage m’a apporté, mais au premier abord, je peux tout de même constater quelques changements : mon rapport à l’autre, ma gestuelle étant désormais plus dense et mes capacités d’adaptations. Tous ces changements rendus possibles grâce à un environnement sain, des artistes impressionnants, un site magnifique et des personnes bienveillantes. »

« Daily dreaming in Domaine Forget. Flowers, hills, sea, wood, light, guitars, balloons, bodies, voices, inside, outside, silence, listening, trust, safe, songs, krump, yes, yes, yes, aaah! Chihiro vibes, acceptance, content, miracles, instrument, humidity, eye seeleing, English, French, Spanol! Ser, rage, sand, just pure pleasure, pure learning, pure truth and trust now. »

À la fin du mois de septembre 2021, j’apprenais avec joie que j’allais enfin avoir une excuse pour parler d’un groupe sur lequel j’avais trippé en 2020 : Brunnemer sortait un second album. J’étais comblé. Vous l’aurez compris, voici une présentation du groupe Brunnemer, de sa leader et fondatrice ainsi que de leurs deux albums pas piqués des vers.

Brunnemer, c’est un sextuor à l’intersection du jazz, du funk, du soul, du rock et j’en passe. Un mélange difficile à décrire, mais sans l’ombre d’un doute excellent ! A-t-on vraiment besoin de mettre une étiquette de style ?

C’est Sarah Michel-Brunnemer à la tête qui lance ce projet pendant un retour aux études en musique en assumant enfin le désir de faire de la musique sa vie. Elle commence en duo avec son guitariste à faire des petits concerts un peu partout et plus elle écrit et partage sa musique, plus le groupe grandit, jusqu’à se composition actuelle. Entourée d’excellents musiciens, elle met l’accent sur le travail de groupe.

« […] avec les nouveaux contacts que je me suis fait à l’école, là j’ai une équipe de rêve avec du monde qui font des bacs et des maîtrises en musique à l’université. Tsé du monde de calibre vraiment élevé ! »

Sarah Michel Brunnemer

Ce superbe potluck nous est donc proposé pour la première fois dans l’album Jazz is the new triste en mai 2020, en début de pandémie. Se plonger pour la première fois dans le son de Brunnemer, c’est découvrir un environnement que j’ose qualifier de rare.  Plus accessible pour les non-initiés, qu’un album de jazz contemporain, mais tellement complet et complexe, les répétitions d’écoutes et d’analyses nous font découvrir des détails rythmiques et des progressions musicales qui ajoutent au travail recherché qu’est ce premier album.

C’est avec encore plus d’audace et de styles différents que le groupe sort *PAON​*​HYÈNE* le 24 septembre 2021. Une nouvelle fois, c’est un tour de force. Un album perfectionniste tout en étant encore plus éclectique que le premier, c’est une nouvelle fois les rythmes changeants et les incroyables riffs de basse qui nous entraîne qu’on le veuille ou non dans leur funk dansant. Leur travail est tout simplement riche et authentique, ce qu’on retrouve aussi en concert.

Le  groupe lançait enfin ses deux albums à Montréal le 29 septembre 2021 au Quai des brumes et j’ai eu la chance d’y assister. En spectacle, Sarah et son groupe ne déçoivent pas, je dirais même qu’iels excèdent les attentes de beaucoup. Dans nos écouteurs, on aime, on danse, on groove avec la musique, mais devant le groupe accompli, on la vit avec eux. Le groupe a tout l’air d’une belle bande de joyeux lurons à se tortiller aux rythmes déchaînés tous en chœur. Tout le monde participe activement à la musique et transmet cette même énergie au public. Sarah est aussi magistrale à voir; c’est un véritable monument sur scène. Elle gesticule entièrement sa musique par tous les moyens qu’elle possède ce qui la rend plus dansante encore. Ses mouvements explosifs et surprenants viennent s’allier à un regard public intense et soutenu lorsqu’elle déclame ses paroles. En tant que leader, Sarah donne une grande place au groupe durant les pièces dans lesquelles s’enchaînent les solos de guitares, de clavier, de saxophones et de flûte. C’est ce magnifique alliage particulièrement bien équilibré qui fait de Brunnemer en live un groupe à voir!

Une vraie fête d’un bout à l’autre, Brunnemer mérite entièrement les éloges que je lui fais et si ça ne vous a pas convaincu, restez alerte pour leurs prochaines représentations et allez écouter toute leur discographie. Le groupe est présent sur Instagram et Facebook.

Vous êtes musiciens, vous cherchez de la visibilité, que vous alliez au Cégep du Vieux Montréal ou non, contactez-moi et je me ferai un plaisir d’écouter votre travail.

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Avec la virtualisation des services depuis le début de la pandémie, nous avons observé des entreprises comme Amazon, Uber et les services de streaming prendre de l’ampleur et devenir, dans certains cas, des incontournables du confinement, pour de bonnes et de mauvaises raisons. Si un réseau a réussi à se développer de façon similaire, c’est TikTok; l’application de création et de partage de vidéos. Ce phénomène international offrant un nouveau médium pour plusieurs disciplines, je désire bien évidemment mettre l’accent sur son impact dans le milieu de la musique émergente. Quoi de mieux pour ce faire que de présenter une musicienne montréalaise méconnue sur la scène locale, mais qui a su utiliser à bon escient la plateforme et se créer une véritable réputation surtout aux États-Unis : Stacey Ryan. Avec l’été qui approche, j’ai eu l’opportunité d’échanger avec elle pour vous la présenter et ainsi vous permettre de tomber sur ses petites perles par un matin ensoleillé ou pendant une soirée au parc.

Stacey Ryan est une chanteuse multi-instrumentiste montréalaise qui commence la musique très jeune au piano et au chant. Elle poursuit au secondaire dans le programme de musique de l’école Cité-des-Jeunes et fait sa technique au Cégep de Saint-Laurent. Elle est actuellement à l’Université de Montréal en baccalauréat d’interprétation à la faculté de musique et produit de manière régulière des reprises et des créations originales sur Instagram, YouTube et TikTok. Autodidacte à la guitare et nouvellement à la basse, elle mélange les instruments à son piano et sa voix, variant les plaisirs auditifs.

Au début de l’été 2020, alors que les autorités confirment l’étrangeté de la saison dans laquelle nous nous engageons, Stacey décide d’accorder plus de temps à son compte TikTok et commence à publier plus régulièrement. L’ajout d’une nouvelle carte de son à son arsenal la pousse à découvrir ces nouvelles possibilités d’enregistrement, sans aucune attente. Une première vidéo prend de l’ampleur en juillet 2020, ironiquement alors qu’elle est réalisée un peu sur un coup de tête.

Stacey Ryan (S.R.) : « Il était trois heures du matin, j’étais dans ma garde-robe pis je chantais une toune sur du karaoké. Voir que toutes les autres vidéos que j’ai faites avec ma guitare, mon micro pis qui sonnent bien aient moins pogné. » 

En effet, c’est un sujet important à aborder : TikTok, oui, mais quel rôle détient l’algorithme? Quoi en penser ? Stacey est partagée. D’une part, c’est une façon simple et accessible de se faire connaître, mais d’autre part, le travail effectué n’est pas mis en valeur ni même tout le temps considéré par l’application. Tout est principalement défini par les modes, souvent appelées trends.

S.R. : « C’est eux qui choisissent s’ils montrent ta vidéo ou pas. Tu peux travailler super fort pis ça pogne : tu as plein de vues, tu gagnes plein de followers. Mais des fois tu fais la même chose pis là : rien. » 

C’est un succès qu’on peut qualifier d’aléatoire, mais la chanteuse tient quand même à préciser que plusieurs avenues se sont ouvertes à elle lorsque la popularité l’a touchée. Sur sa page Instagram et sa chaîne YouTube, entre autres, elle a pu se permettre de produire des vidéos plus longues de pièces complètes et surtout de pièces originales. Percer sur les deux plateformes précédemment nommées étant plus difficile, la notoriété de sa page TikTok, qui s’élève à plus de 400 000 abonnés en juin 2021, lui a permis de subsister sur ces plateformes et même de financer un peu la production grâce à YouTube.

Cependant, par-dessus tout, la musicienne parle avec vigueur des connaissances qu’elle a faites sur TikTok. C’est l’élément le plus important dont elle a bénéficié.

S.R. : « Au début, rencontrer du monde par Internet, je trouvais ça weird parce que je n’avais jamais fait ça, mais là sur TikTok, j’ai rencontré plein de bons amis », dit-elle en mettant l’accent sur le « bons ».

En musique, Stacey a tout pour plaire. Que ce soit au piano ou à la guitare, sa compréhension des pièces qu’elle interprète et son aisance dans les progressions harmoniques lui permettent de s’accompagner brillamment. Il faut savoir qu’elle nage dans le soul, le R&B, le jazz, le funk, le folk et j’en passe. Tous ces styles sont maîtrisés avec brio et son jeu instrumental s’agente toujours avec eux, mais surtout avec sa voix. Incroyable chanteuse, c’est ce qui m’abasourdi de la savoir si peu connue localement. C’est une musicienne de grand talent qui réussit à faire des prestations impressionnantes avec sa voix flottante, presque modelable au gré des pièces, et très versatile. Avec sa voix claire et précise au registre considérable, elle nous offre même des solos improvisés tout aussi intéressants et riches. Signez-là, quelqu’un ! 

Pour la suite, rien ne presse. Elle a plusieurs pièces originales d’écrites et aimerait certainement les enregistrer. Seulement, ça prend de l’équipement, du temps, de l’argent et la possibilité de pratiquer en groupe, ce que la pandémie rend difficile. Néanmoins, elle réfléchit à sortir un projet de reprises folk en lien avec une série de vidéos sur lesquelles elle travaille depuis quelque temps. 

S.R. : « Je me suis dit : Pourquoi ne pas prendre les audios de mes vidéos folks, les mettre dans un EP pis les rendre accessibles en streaming? Here you go! On ne gagne rien à mettre notre musique sur Spotify, mais tout le monde me le demande. Tu les voulais? There it is. »

À suivre…

Est-ce qu’on aura répondu à tous les questionnements par rapport à TikTok ? Malheureusement, non. Est-ce qu’on peut considérer la plateforme comme une nouvelle façon légitime et notable pour faire valoir la musique émergente ? Je pense bien que oui. Les temps sont toujours durs pour les artistes, encore plus depuis un an, ne snobons donc pas une plateforme qui en regorge, tout en n’oubliant pas, malgré tout, ses limites. Je vous encourage donc vivement à suivre Stacey Ryan, ne serait-ce que pour vous réveiller et tomber sur une de ses rayonnantes vidéos qui annoncent une bonne journée. En espérant pouvoir apprécier bientôt son travail en personne dans un club de jazz à Montréal ou ailleurs, sait-on jamais.

Pour suivre Stacey Ryan : https://linktr.ee/staceyryanmusic

Vous êtes musicien.nes, vous cherchez de la visibilité, que vous alliez au Cégep du Vieux Montréal ou non, contactez-moi et je me ferai un plaisir d’écouter votre travail. 

La fin de session approche (peut-être êtes-vous déjà dedans). Dans tous les cas, j’écris encore sur de la nouvelle musique pour relaxer entre deux examens ou pour une session d’étude intensive. Tous deux sortis en mars 2021, les projets que je vous propose ont en commun le renouveau d’une identité artistique. J’ai donc eu l’opportunité de m’entretenir avec les principaux intéressés pour vous présenter Le grand héron d’Alexandre Duguay et Printemps de Filpo.

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Le grand héron – Alexandre Duguay

Né dans une famille de musiciens, Alexandre Duguay commence son parcours musical en piano et en chant classique, puis touche au jazz au secondaire et poursuit son exploration en s’inspirant de plusieurs genres, allant même plus récemment jusqu’au rap et au beatmaking. C’est en cherchant une nouvelle façon de présenter ses projets qu’il décide d’effectuer un travail complètement solo. Avec l’apprentissage autodidacte de la guitare et une période de nouvelles découvertes musicales plus proches du folk, c’est en partie pour se mettre au défi et découvrir tout ce dont il est capable qu’il se lance dans la création de Le grand héron.

Alexandre Duguay (A.D.) : « Ce projet-là, je l’ai enregistré moi-même dans mon salon, j’ai fait la guitare, le piano, la bass… tout ce qu’on entend! J’ai même fait le mix! »

Le grand héron, c’est un EP touchant. Je dis touchant, car c’est le premier effet que j’ai ressenti après l’écoute. Avec ses airs doux à la voix et ses harmonies recherchées, tantôt rafraichissantes, tantôt conflictuelles, il émane de chaque pièce une énergie qui crie l’émotion. Le mélange d’instruments qu’on entend à un moment ou un autre dans le EP crée chaque fois un nouveau son, une nouvelle couleur musicale et ça rend le tout encore plus agréable. C’est envouté par la guitare sèche caractéristique de tous ses morceaux qu’Alexandre Duguay nous fait traverser des textes empreints de poésie.

A.D. : « C’est un désir de créer pis de le faire entièrement en français avec un langage plus poétique, un peu vaporeux, rêveur. J’aime que les textes donnent l’espace à l’interprétation. »

La suite pour Alexandre : il n’y a rien de coulé dans le béton. Cette nouvelle identité musicale lui plait et il dit souhaiter conserver une certaine uniformité stylistique, mais le désir de recherche de nouveaux sons demeure toujours en lui. On peut peut-être s’attendre à des collaborations ou à encore plus d’instruments joués par une seule et même personne! Dans tous les cas, comme Alexandre le dit si adroitement, c’est un projet qui porte bien son nom, « à l’image du grand héron : patient, solitaire », mais j’ajouterais : « et majestueux ».

Printemps – Filpo

Créé un peu avant la pandémie, Filpo est le nouveau groupe du guitariste, chanteur et auteur-compositeur Paolo Philpot, anciennement à la tête de Cherry Chérie. Avec Gabriel L’Heureux à la basse, Gabriel Lapointe à la batterie et Paul Aubry aux claviers, le quatuor se lance dans le rock indie le plus total avec l’album Printemps. Le groupe, alors sans nom, entre en studio au début de l’année 2020 pour enregistrer certaines pièces et se construire une nouvelle identité sonore, mais l’arrivée de la Covid-19 vient changer la donne. Les concerts étant en temps normal leur principale source de revenu en tant que musiciens indépendants, Paolo et ses camarades doivent tout d’un coup retrouver une certaine stabilité autrement. Malgré tout, pour le projet Filpo, la pandémie aura mis en marche certaines choses.

Paolo Philpot (P.P.) : « La pandémie nous a permis de réfléchir à comment on allait présenter ça au public pis de prendre la décision de lancer un nouveau projet. »

En mars 2021, le groupe nous offre donc un album de 10 plages traversant un vaste tableau de couleurs et d’environnements. C’est ce qui fait tout le plaisir lors de l’écoute : l’évolution, le changement. En plus de caractériser l’album pour ses créateurs, ces thèmes s’entendent dans sa construction et dans la musique même. Chaque pièce suit son propre chemin, assurant ainsi une constante nouveauté durant la découverte de l’album.

P.P. : « Les thématiques de l’album, c’est beaucoup le renouveau, le changement. Ça parle d’amour : de là le titre Printemps. »

À travers les solos de Paul Aubry et les riffs de Gabriel L’Heureux, les textes de Paolo, agrémentés par le jeu puissant de Gabriel Lapointe, passent comme une flèche et nous font vivre ou revivre ses désirs d’émancipation, de revendication et de recherche de soi dans lesquels on se retrouve tous. Un rock aux synthétiseurs très 1970 à l’inspiration punk et à forte tendance 1990 : la recette du bonheur.

P.P. : « Les textes et leur écriture sont très importants pour moi. Je m’inspire beaucoup de jeunes poètes québécois, de la littérature. Je voulais vraiment inscrire le projet dans la tradition québécoise de la chanson. C’est un peu le pont entre le côté anglo-saxon du rock et les textes plus québécois, avec une dimension collective et sociale. »

Avec l’été qui vient, difficile de dire ce qui sera possible côté concerts, mais l’idéal pour Filpo serait d’avoir l’occasion de performer en spectacle avec son nouvel album et le présenter au public en direct. Sinon, ce sera du nouveau travail de studio. « Difficile de relancer la création quand on n’a pas eu la chance de jouer notre musique », explique l’auteur-compositeur. Pour l’instant, je ne peux que vous recommander d’aller écouter Printemps en masse et d’encourager ces excellents musiciens, en attendant de pouvoir apprécier le tout en personne.

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Vous êtes musiciens, vous cherchez de la visibilité, que vous alliez au Cégep du Vieux Montréal ou non, contactez-moi et je me ferai un plaisir d’écouter votre travail.